世界级绘画大家 常玉（1900-1966） 油画作品
来源：枫荣室内配画艺术网资料编辑整理 发布时间：2017-2-14
画家常玉一生大起大落，在艺术上坚持我行我素。1966年在巴黎因煤气泄漏去世时仍不被赏识。而今，西方公认他为世界级的绘画大家。常玉，本名常有书，1900年生于四川顺庆（南充市）的富商家庭，1910年即与赵熙习画，长于书法的他，1917年入上海美术学校就读，1919年常玉与徐悲鸿、林凤眠以留法勤工俭学的方式前往巴黎，至67岁辞世，大致都住在巴黎。到巴黎后，他的作品经常在沙龙及各大画廊展出。1938年他曾短期回中国，接着转往纽约，在该地生活了两年。并于1948年在纽约现代美术馆展出作品。常玉之名列入《1910～1930年当代艺术家生平大辞典》第三册。常玉勤工俭学到巴黎，由其兄长汇款供养，衣食无忧，然而在巴黎的难得的良好机缘并未为常玉所珍惜、利用、发挥，以获得经济来源，及兄长亡故，经济来源断绝，犹如千千万万流落巴黎的异国艺人，他在贫穷中苦度岁月，贫穷得买不起作画的材料，劣质的材料成了他作品的特点。他虽也曾有荷兰作曲家约翰·法兰寇（Francs）等少数知音，最终逐渐被法国人抛弃，忘怀了。幸而有四十余件作品本预备在台湾展出，后展览因故流产，这批作品倒幸运地保存在台湾历史博物馆了。
绘画对常玉而言是一种情感的自然发泄。常玉从最熟悉的中国艺术投入另一个崭新的西洋艺术领域，以中国绘画的基础不断地摸索追求，巴黎艺术派别林立，艺术家各领风骚，终于成就常玉简练流畅的特殊绘画风格。在当今华人画界，常玉和徐悲鸿的画作一度交替刷新中国油画拍卖纪录。常玉的《瓶菊》 2013年拍卖成交价达2亿616万元。
有人说，如果凡·高又活过来，看到他作品的价格成了天文数字，将再一次发疯。我们一向以“含笑九泉”来告慰对逝后才被人们理解、歌颂的杰出人物。逝者如斯，亡者再也不会含笑，但历史的无情淘汰、鞭挞、颂扬，永远是人间是非、善恶、美丑、人心向背的借鉴（此段摘自 吴冠中谈常玉）。
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上图： 常玉 《Blue Chrysanthemums in a Glass Vase》 香港佳士得2012春拍 成交价4770万港元
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常玉 《瓶菊》 山东春秋2013秋拍成交价20616万元
常玉是中国的莫迪利阿尼式的人物，生前潦倒而死后荣光。在上世纪四十年代，常玉本想去台湾办个展，几十幅有代表性的作品提前运抵台湾，但是因为签证时护照问题未能成行。这也算是不幸中的万幸，常玉的许多代表性作品都被留在了宝岛，成为当代人了解这位绘画大师的心路历程的重要凭证。
常玉的静物作品是他内心世界的一面镜子，画中的花朵大都孤单无力，残花败韵、强撑姿色，像失去母亲的孩子般孤单寥寂，无依无靠，直叫人有“残月伴秋寒，冷冷清清”的凄凉感。
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常玉 《蓝色辰星 （菊花与玻璃瓶）》 香港佳士得2015春拍成交价8188万港元
线条是常玉绘画的灵魂，也是用来支撑花朵的支架，力透锦菊的瓣脉。犹如唐代欧阳洵《用笔论》中所为「徘徊俯仰，容与风流，刚则铁画，媚若银钩。」画中线条的每一落笔，尽显刚健柔美，引领花朵姿态形成枝桠，剔透的银线则勾勒粉嫩白菊将之转化透虚为实，除了对应「墨分五彩」的虚实转化外，并有意识地抚媚锦菊使之摇曳生姿，牵引观者视线，成为画中灵魂、视觉中心。除此之外，常玉的用笔特殊，以枝桠为实线，分层墨线，第一层打底，迭上第二层枝叶则加强视觉效果，在墨色氤氲中表现出枝叶伸展的微妙动态。与之虚实相应的花线条则化虚为实彷若银线，以油画笔尖透开颜料彷佛墨笔中的飞白效果，反客为主引领观者视线，赋予立体观感。常玉作品中的光影表现也常使人感到玩味，有别于西方直观的光影表现手法，常玉以体现东方人文墨晕方式，让瓶中菊花自幽暗背景中自体发光，犹如清朝八大山人之语「浑屯中放出光明」，利用大自然空气中富含水气的蓝色油画颜料，恪守东方水墨氤氲技法，让环绕在枝桠旁的蓝色水气形成氤氲光体，自然成为画中光体来源。八大山人擅以黑墨描绘动态中的鸟禽，在黑成一气的墨色中以墨色氤氲表现耳目口鼻以及四肢伸屈的微妙动态，常玉则刻意使用蓝色背景让空气中透含水气，在幽蓝层次中发出蓝光。西方自文艺复兴以来，以舞台式的光影表现方式展现画中主体，二十世纪初印象派则随着日照变化显示光影的阶段不同。常玉身处西方，却选择蓝色精心布置一道暗夜风景，反复着以靛蓝包覆枝叶制造幽暗光源。若以实体光源投射画面反而无法端详细节，在幽暗静谧处则可细探光源，其为独特式的常玉画作，未曾于西方重视科学、逻辑及透视的绘画表现方式见之，在华人艺术家中，则是首位用以油画颜料展现水墨氤氲的画家，运用中西创作技法臻至纯熟，在当今东西画作之中并无第二人。丰富的生命历程及丰盈的创作经验让常玉拥有独特的画作展现方式，二十世纪初前往法国，时处印象派、野兽派、立体派以及超现实主义等画派兴盛之时，常玉的画作在空间、造型上巧妙处理，完成超越现代的美丽画作，成为独树一帜的东方人文画家。画作枝叶纵横交错，枝桠错置无法分辨前后，常玉将之交网如织形成一环体空间，而本该往上生长的叶脉与挺立而生的银菊逆向生长，继而凸显银菊的绽放张力。画面加之呈现多重绘画语汇，不着地的瓶内枝桠彷佛点地跃起，加上环体空间因而延展菊枝，绽放花蕊，充满丰沛的生命张力及动感，是常玉画作默语而出的超现实表现。绽放的枝叶向左右延展舞动姿态，与宽口曲瓶相互对照，形成三角环体与三角锥体的对应，内蕴几何形体展现抽象美感。常玉无疑是二十世纪初跃上国际舞台的华人画家，他的画作经常给予观者隽永韵长的净度与纯度，犹如瓷瓶上的釉描创作又如质朴的木刻版画，竭力低限颜色、线条、造型，却丰盈观者在视觉及心灵上的感受，忠实反映少即是多，虚实相照的东方哲理。除了恣意畅游于他的油画技巧外，作品并给予观者物我共生，天人相应的东方哲思。「虚实相照」是《蓝色辰星（菊花与玻璃瓶）》的作画法度，在光线、空间以及线条上互相对应，取得自然和谐及平衡。《蓝色辰星（菊花与玻璃瓶）》是常玉为数不多的「蓝色」画作，细究他的创作生涯，蓝色时期画作多创作于1950 年代，作品件数为数不多，弥足珍贵。画中唯一面对观者的花朵是常玉刻意留予与观者的对话桥梁，彷若吸引观者驻足流连这幅自幽暗中发出光明，如月光下的幽蓝湖水，又似布满星际的暗夜，划破寂静天际，闪闪发光。
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上图：常玉 《青花盆与菊》 香港佳士得2010秋拍成交价5330万港元
《青花盆与菊》常玉的自我观照
据目前为止所整理出版的数据中显示，常玉50年代重彩花卉构图的大尺幅创，约不超过二十幅，而其中一半以上已为台湾国立历史博物馆做为永久典藏品，这些博物馆典藏品原先为常玉于1962年时，受当时台湾政府教育部的邀请下，回到台湾做第一次于亚洲举行的盛大个展所精心挑选的作品，其中展品名单，主题尤以花卉静物居多，可见常玉认为此一系列花卉创作为其艺术生涯的精华，而《青花盆与菊》（Lot 1009） 更属其中的代表精品。
中国早在东汉时期的壁画中便有花卉盆栽的描绘，随着道家精神的影响与文人对自然的向往，植栽花木的布置与观赏，逐渐成为文人引自然入室、同感时序的生活情趣。1930至50年代间，花卉静物一直是常玉主要的创作题材，从多样瓶花与植栽的呈现，可见艺术家对于花卉本身的形象与象征意涵的反复探讨，将此视作大自然的缩影与形式再现，盆花的呈现虽仅是室内一景，却隐含了作者观照自然万物的想象与追求。而在常玉众多的花卉植物作品中，菊花主题占有将近一半的比例，艺术家对于菊花的喜爱可见一斑。菊花自古以来便是文人雅士抒情吟咏的对象，在陶渊明著名诗句「采菊东篱下，悠然见南山」的影响下，更成为文人典型性格的代表与清高淡泊品格的象征。唐代诗人白居易以《重阳夕上赋白菊》一诗中感叹道：「满园花菊郁金黄，中有孤丛色似霜。还似今朝歌酒席，白头翁入少年场。」诗人以菊花自况，描写与晚辈的欢聚宴饮，同时亦寄托了时光易逝、青春易老的感怀。常玉在《青花盆与菊》中，同样以菊花为题，却以近乎九十度的直角强调有棱有角的树枝，塑造出盆菊高挺的姿态与不畏秋霜的傲骨，充分传达出向上生长的力量感，隐含着对自我与万物价值的自信和肯定。
常玉出身富贵，但旅居法国的多数岁月却经济困顿，他超越了现实的压迫，以安贫乐道的生命态度寄情于艺术，创作不仅成为他个人的情感寄托与自我实践之道，同时也是艺术家人生意义与生命价值的体现。
常玉的绘画在1950年代后产生显著的变化，不论在色彩及构图上皆明显地趋于大胆，亦展现了强烈追求突破的企图心。二次大战后，欧洲经济萧条，常玉在此一时期，经济状况也陷入困境，于是便于同乡的中国家具厂，为漆器、家具着色、绘图来维持生计，这个因缘际遇却让常玉在绘画创作上，有了重要的变化。源自中国民间艺术中陶瓷及刺绣的缤纷色彩与古朴的线条运用，启发了常玉在绘画上新的尝试，《青花盆与菊》选择以浓烈厚实的暗红色背景衬托清新淡雅的菊花，在色彩的应用下强调出菊花的特质与象征意涵。若仔细观察细节，则可在局部发现民间色彩的应用，如绿色的花萼以及白色花瓣边缘透出的普鲁士蓝、草绿色和橘红色，常玉刻意将这些色彩半透明的薄涂，与背景的暗红色不着痕迹的融合，而在平滑的表面造成了隐约的层次变化。此外，在构图安排上，若对照菊花、青花盆与桌面的大小，可以发现主角盆菊的比例已脱离真实物象的描写，呈现常玉理想中的概念化造型特征，可见艺术家的企图不只在于描写静态的花卉，更是建立在中国传统「写生」的概念基础上，「生」包含了「生趣」、「生气」、「生动」等意义，在画家对物象长期反复观察后，将外在形态与内在精神完整地表现出来。中国文人往往赋予对象物主观感受与情感想象，在物我的交流中营造特定的生命情境，《青花盆与菊》不仅是常玉对于文人花鸟传统的再延续，同时亦可视为艺术家自身的投射，孤身一人在法国创作四十余年不懈的常玉，也正如同画面中的盆菊，孤独傲世却依旧繁花盛开。
就艺术上的分类而言，文学是时间的艺术，绘画则是空间的艺术，然而《青花盆与菊》却在线条的表现手法与造形元素的构成中，展现了既能静观、也能动视的巧妙布局。主角盆菊的枝干首先朝不同方向延伸，在角度转折间顺势向中间聚拢，叶子则相互掩映，在画面中段的位置最为密集，上方六朵已然盛开的菊花大致排列成「V」字型，引导观众的视线往下集中于画面中心，如此回环往复即形成了画面的动线，在行进中产生了时空交错的动态感。中国建筑讲求「曲径通幽」的意趣，在常玉错落有致的枝叶线条与分割的块面安排中，画面空间得以重新划分与组合，因而在曲折迂回中形成层次清晰、整体和谐统一的连续性空间。至此，《青花盆与菊》清晰地展现了常玉在创作概念上的转换，盆菊、桌面与背景的结合不单是场景的描写，空间经营更是为了塑造出一种生活情境，在现实的世俗环境之外，画面空间提供艺术家一个更具体的退隐场所，追求文人的生活趣味、生命价值和人生意义。此处的「隐」也并非一种消极、避世的人生观，事实上，这当中含有对抗世俗外在环境，颠覆既有社会价值，进而另创一种人生境界的意图。《青花盆与菊》因此在时间与空间意义的架构与诠释中，重新定义画面空间的可能性，隐含艺术家对于生命意义的积极开创。
唐代诗人王昌龄在《诗格》一文中提出「三境」之说，他认为诗有三种境界：只写山水之形的为「物境」，能藉景生情的为「情境」，能托物言志的为「意境」。从1931年的《玫瑰》到50年代的《青花盆与菊》，我们看到了常玉在二十年间对于不同境界的超越与突破，《玫瑰》撷取了东方绘画传统中特有的空间美学概念，在西方绘画偏向写实的三度空间透视基础上，将主观情感注入原本静物写生的直观呈现，融入更为深层的抽象观念组构物象；《青花盆与菊》则回归中国文人传统的思考面向，以自身理念镕铸于客观的生活景物之中，开辟出超越于现实的人生意境。也因此，从「情境」至「意境」的呈现，随着传统山水的空间意识与文人传统的结合，常玉的静物画逐渐抽离了现实性，在生命情境的营造中开创造一种崭新的艺术形式。
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常玉 《Pink Lotus》 香港佳士得2012春拍成交价3874万港元
从作品闷骚而简约的风格，以及它表达的“君子”喻意上，我认为它最能说明常玉的个性与常玉的人生。
常玉的一生，因爱女人，粉粉的闷骚着，如这幅画；他又是在法国单打独斗的真君子，谁也不媚，精神上的模样儿，与这盆荷莲极相似。（筱凡子）
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上图：常玉 《盆中牡丹》 香港佳士得2014秋拍成交价5612万港元
这幅作品，《盆中牡丹》，正是对常玉所追求的将东方与西方、传统与当代巧妙融合的完美诠释。以中国毛笔简单几笔勾勒出的线条，透露出鲜明的风格，而作品的主题则是对传统中国古典花鸟绘画的怀念与致敬。但常玉笔下的花卉，深受西方静物画的影响，表现出独特的强韧和肃静之美。对背景自然随意的描画营造出类似摄影的效果，赋予作品一种凝固感。花卉是常玉最偏爱的主题之一。在其艺术生涯中，他已反复对这个主题进行不同形式的尝试，并赋予每幅作品独特的意境。《盆中牡丹》是常玉二十世纪四十年代的经典代表之作。
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常玉 《蔷薇花束》 保利香港2015秋拍成交价5900万港元
“不向东山久，蔷薇几度花。白云还自散，明月落谁家。”
－李白《忆东山二首》
“对天生的尤物我们要求繁盛，以便美的玫瑰永远不会枯死。”
－莎士比亚《十四行诗第一首》
除了赞颂与象征爱情之外，玫瑰不论在东西方的文学传统中，皆象征了美好的事物，常玉于结婚隔年创作《蔷薇花束》，除了作为他和玛素爱情的表征外，当时他正踌躇满志、乐观豁达，蔷薇花的盛开亦寄托了他对于生活的美好期待与向往。或许因主题的特殊性，《蔷薇花束》罕见地使用线条与渐层色彩勾勒粉红蔷薇与枝叶，镂空的轮廓线中透出背景的墨黑色，仿佛赋予蔷薇花束自发性光源，在漆黑背景里闪耀彰显了自身的绽放。画面下方的白色花瓶未有细节装饰的描写，平面化的造型与块面强调了瓶身的体积感与量感，前景粉红色的转折将白色桌面往前延伸，与黑色背景形塑出完整的立体空间叙述。从《蔷薇花束》可见，常玉致力开拓静物花卉的表现形式，中国传统艺术元素及线条运用进一步为他提供创作灵感，介于轮廓与实体之间的描绘已脱离具象与写实的框架，超越了中西美学传统中惯用的制式规范，花朵与枝叶经过几何化的处理，成为线条的流动与几何元素的重组。自1921年他以写意笔法创作《牡丹》，八年后的《蔷薇花束》明显来自于中西艺术的融合，常玉不仅以蔷薇花束传达了东方文人美学，更对静物画的创作明确开创了崭新的方向及艺术高度，完全跨越西方静物画传承已久的形式与藩篱，以中国传统美学的观点来诠释与拓展西方现代主义，《蔷薇花束》也书写下常玉极具突破性的成就。
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常玉 《红衣女子》 香港佳士得2013秋拍成交价5052万港元
“我的生命中一无所有，我只是一个画家。关于我的作品，我认为毋须赋予任何解释，当观赏我的作品时，应清楚了解我所要表达的……只是一个简单的概念。”
常玉的世界里，没有慷慨激昂的民族大义，也没有忧国忧民的教育梦想，没有辗转腾挪的左右逢源，更没有迎合消费主义的恶俗趣味。女人体、静物、小动物是常玉笔下永恒的主题，他像一个梦中人，一个浪荡子，永远趋近于直觉、幻想、与世无争的童心和繁华落尽的“白茫茫一片大地真干净”。
此作是艺术家“粉色时期”的作品，他把人物置于单色的背景前，简化的形态保留了人物婀娜多姿及流畅线条的特质。该作与艺术家其他描绘女性尤其以裸女为主题的画作，互相呼应。
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上图：常玉 《聚瑞盈馨》 香港苏富比2014春拍成交价8076万港元
以静物为自画像，从西方主题到东方精神
常玉在民初画坛地位崇高，不论是同侪之张大千、潘玉良，抑或后来者赵无极、朱德群、吴冠中，均公推为旅法华人之首，吴冠中在散文《说常玉》中回忆巴黎旧事，曾经感叹：「我觉得常玉自己就是盆景，巴黎花圃里的东方盆景。」恰好道出《聚瑞盈馨》的自传性质。花卉是常玉长伴一生的题材，自三○年代起，常玉即以油彩创作盆花，在野兽派与中国白描的影响下，作品呈现平面化空间与简化造型，然而画中的花卉，依然源自客观事物；五○年代以后，艺术家大胆融入想象与臆造，使得盆花之主观元素愈加突出：《聚瑞盈馨》的造型雍容瑰丽，在一方小巧精致的青花水仙长方盆上，植上一株繁叶茂、宝相璀璨的万寿菊，其鹿角形主茎朝天直仰，二十八枚花蕾在上端盛放，突出其鹤立鸡群的形象，正如吴冠中当年发现「常玉画了那么多的盆景，盆景里开出绮丽的繁花，生意盎然……由于剪裁形式构成的完整饱满，浓密丰厚的枝叶花朵往往种植于显然不成比例的极小花盆里。」艺术家去国四十载，其愈近晚年，作品愈见中华神髓，与早年的潇湘素雅相比，《聚瑞盈馨》的盆菊更显壮硕，仿佛暗示即使人在远方，只要凭借故乡土壤，哪怕只是一小撮，仍能开出最缤纷壮丽的花卉，尽诉生命之光彩，自传意味跃然画上！
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常玉 《五裸女》 台湾罗芙奥2011春拍成交价12832万元新台币
常玉的女人体作品表现角度与常人不同，他以裸女整个身体轮廓表现内心的风景，他笔下纤细裸女不多，大都是丰满肥硕的女子，即便是亭亭玉立、玉体冰肌的女人体也都是脂润肌满，风韵张扬。
常玉留法勤工俭学时到巴黎，他不进美术学院进修，而是在咖啡馆里画画。常玉一生大起大落，他在艺术上坚持“我行我素，不媚世俗”的理念，在巴黎一边艰难地维持着生计，一边坚持不懈的继续从事绘画创作。从常玉的绘画风格来看，他始终没有改变个人的创作理念。常玉的早期绘画作品多重于裸体创作，表现形式有油画，有水彩，有水墨，也有炭笔，总体以白色和粉色为主调。他的绘画笔调洒脱，行笔畅逸，使人能感觉到常玉在遵循中国传统技法的同时，又在努力试图突破传统格局的束缚而倾力探索。
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常玉 《八尾金鱼》 香港苏富比2013秋拍成交价6732万港元
常玉知道如何以最精简的方法，勾划出事物中的精髓及幽默感，他的画里蕴含他民族血统里的特殊性。—— 法国作曲家法兰寇（Johan Franco）
有别于艺术家30年代以粉红与白为主调的「粉红时期绘画」，在《八尾金鱼》中，常玉大胆地以富涵东方民族系谱的鲜明配色调度画面，他采橘红与白为主色，将画布分为上下两大块面，下半为桌，上半为其所依傍的墙，简练却又完美地指示了空间的对应关系。在中心主体上，他以具书法性的遒劲线条，自信地勾勒出一透明的鱼缸，与八尾在瓶中回旋嬉戏，带有朱砂胭红、白与墨色的小金鱼。由其明确的运笔速度，可感受艺术家浓烈的自信与成熟，以及强烈的东方写意精神，尤其在对于鱼儿神韵的掌握，十足生动。而鱼缸在构图上连结了上下两个空间，也让色彩有了延伸，整体富丽非凡。染着黑灰色的大笔刷一笔画出支撑缸底的垫子，塑造出立体感；画龙点睛的黑彩，让鱼儿突显在一片橘红的背景中。
此画虽乍看简单，但许多细节却处处显现艺术家过人的功力与巧思。如同清代书画名家程正揆在《清溪遗集》所指：「画不难为繁，难用于简，简之力更大于繁，非以境减，减以笔。」如何用最精炼的方式，谱出一曲动人乐章，并让听闻者在午夜梦回仍感余音绕梁，正是常玉艺术的高妙与魅力所在。
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（感谢阴山工作室提供基础资料 感谢鉴评作者）
